nostalgia originilor

Paul Delvaux
Astia de scriu horoscopu se pricep si la interpretarea viselor, mai nou. E ca si cum as asculta o melodie pe youtube despre toamna, iar daca in versuri apare de trei ori "ploaie", trebuie ne-aparat sa apara si trei imagini cu o "umbrela". Specialistii astia de prezinta horoscopu cred ca daca visezi ca mergi in public dezbracat, inseamna ca n-ai suficienta incredere in tine. Eu cred ca-i frica de a fi castrat, e mai mult un complex Eudipian, decat un complex ce tine de "stima de sine" si de incredere. Iar la femei, din contra, dorinta de a merge dezbracate ar insemna mai de graba incredere in propriul corp. Desi interpretarea assta nu se bazeaza pe nimic. Jung zicea ca daca in vis iti apare mama, aceast lucru nu face trimitere in mod direct la mama biologica. In plus, nu toate visele au o intrepretare. Poti visa ca zbori si sa ai probleme cu inima. Sau poti avea cosmar din cauza ca e prea cald in camera. Tocmai asta-i dovada ca incostientul raspunde mai intai la fricile biologice, apoi cele imaginate, urmand cele care tin de incostientul colectiv, culminand cu revelatiile.

Tinerii din poza mi se par mai mult niste arieni. O nunta cosmica, un paradis pierdut, o stare originara in care oamenii erau imbracati "doar in slava lui Dumnezeu". Adolescenta fiind varsta intoarcerii, ca si miscarea hippie. Toti din poza par a fi "imbatraniti" si cu fete schimonosite. Sunt niste "specialisti" care nu inteleaga aceasta noua "aparitie nocturna". Vor sa-i analizeze in laboratoare cu visele lor. Apoi "cuconetul" cu palarii si haine complicate, simbol al conservatorismului, nu participa. Adolescenta de cele mai multe ori este considerata o varsta de trecere la maturitate, o varsta pur psihologica ci nu una artistica. Dar eu cred ca adolescenta e o varsta a creativitatii prin excelenta, chiar daca mereu a fost repudiata. Chiar adolescenta noastra este de cele mai multe ori aruncata in camerele obscure ale incostientului. Daca a fost una de negare, puternica, nu vrem sa ne aducem aminte prea des. O incadram la acea perioada nefasta din viata cu agnee pe fata. Atat de mult s-au aplecat specialistii sa inteleaga varsta adolecentei, incat au redus totul la psihologic si biologic. Dincolo de obsesii, impotriva acestui reductionism protesteaza Paul Delvaux in tabloul sau nocturn.

Despre suprarealism ca fenomen religios

Dali S Ispitirea Sfantului Anton
 Nostalgia Originilor.

"Exista о idee preconceputa, aceea de a considera artele ca „neserioase", pentru ca ele nu constituie instrumente de cunoastere. Poetii, romancierii sint cititi, muzeele si expozitiile vizi-tate pentru distractie si relaxare. Aceasta preju-decata, care incepe din fericire sa dispara, a creat un soi de inhibitie ale carei rezultate principale sint stinjeneala, ignoranta sau meflenta eruditilor si a oarnenilor de stiinta fata de experimentele artistice moderne. Este о naivitate sa crezi ca sase luni de lucru „pe teren", in mljlocul unui trib caruia abia ii cunosti limba, constituie о treaba „serioasa", capabila sa faca sa progreseze cunoasterea omului - si, in acelasi timp, sa se ignori tot ceea ce suprarealismul sau James Joyce, Henry Michaux si Picasso au adus in materie de cunoastere a omulul. Experientele artistice contemporane sint in stare sa-I ajute pe istoricii religillor in cercetarile lor, si invers, orice exegeza istorico-religioasa veritabila este menita sa-i stirnuieze pe artisti, pe scriltori si critici, si asta nu pentru ca e vorba despre „acelasi lucru" si intr-o parte, si in cealalta, ci pentru ca este vorba de intilnirea cu situatii care pot sa se clarifice reciproc. 

Nu este lipsit de interes sa notam, de pilda, ca in revolta lor impotriva formelor traditionale de arta si in atacurile lor la adresa societatii si moralitatii burgheze, suprarealistii au elaborat nu numaio estetica revolutionara, ci au formulat si о tehnica prtn care sperau sa transforme copditia umana. Or, numeroase din aceste „exercitii" (de pilda, efortui de a dobindi un „mod de a fl" care sa par-ticipe si la starea de veghe si la aceea de somn sau efortui de a realiza „coexistenta constiintei si a inconstientului") ne amintesc de anumite practici yoga sau zen. in plus, in acel prim elan al suprarealismului si. mai ales, in poemele si mani-festele teoretice ale lui Andre Breton, se desci-freaza nostalgia „totalitatii primordiale". dorinta de a efectua in concrete coincidenta contrariilor, speranta de a fi capabil de a anula istoria spre а о putea remcepe in forta si puritatea originara -nostalgii si sperante destui de familiare istoricilor religiilor. De altfel, toate miscarile artistice moderne urrnaresc, constient sau inconstient, distrugerea universurilor estetice traditionale, reductia „for-melor" la stari elementare, germinale, larvare, in speranta recrearii unor „lumi proaspete": altfel spus, aceste miscari cauta sa aboleasca istoria ariei si sa recistige clipa aurorala cind ornul vedea pentru „prima data" lumea." (Mircea Eliade, Nostalgia Originilor, Humanitas, 1994:108) 

Rosul e barbatesc


Pictura inseamna culoare, cum muzica inseamna armonie. De-alungul timpului, artistii au incercat sa gaseasca "armonia perfecta", culoarea pura si "neamestecata", principiul Unu asemeni lui Plotin, din care deriva celelalte culori. In vechile culturi culorile nu erau lipsite de simbolistica si nici de ierarhii. Astazi simbolistica culorilor se rezuma la "psihologia culorilor". Dar pentru Plotin, care identifica Unul cu Lumina, frumusetea si armonia erau data de culorile simple din paleta luminii( aur, foc si stele) unificate cu intunericu. Privim antichitatea ca pe o statuie fara ochi. Dar acele statui, si temple din Grecia antica erau colorate, aveau ochi si priveau. Templele erau pictate in negru, alb rosu si galben. Dupa Aristotel, rosu fiind culoarea cea mai apropiata de lumina, culoarea Soarelui.

Poussin Marte si Venus
Din acest "amestec" de rosu, alb, si negru, deriva o culoare: purpuriu. Asa cum astazi secretul "nasurilor" ce fac parfumurile este bine pastrat,  asa si cantitatea de culoare care trebuia sa fie amestecata pentru a ajunge la "purpuriu" era pastrata cu cea mai mare "sfintenie". Aceasta culoare era purtata numai de Regi in Grecia, Roma, Persia pana in imperiul Bizantin, iar cine incerca sa o imite era pedespit cu moartea. In renastere culoarea va fi preluata de "alchimisti". Pe aceasta "traditie" coloristica va merge si simbolismul religios, insa cu un plus de particularitate.


Nimic nu sugereaza mai mult ca paleta coloristica a renasterii era una "canonizata". Simbolism care m-a facut sa scriu acest post, pronind de la o discutie banala cu o prietena despre rosu si albasu. Asadar am luat mai multe picturi din perioada renasterii pe un singur subiect, ca nu cuvma sa gasesc doar acele cazuri care se potrivesc cu teoria. Asadar am ales Venus si Marte, Venus si Adonis, pentru ca sunt doi poli de la care pot extinde subiectul pana la simbolistica religioasa si fecioara Maria. Conform lui Gothe, (J. Gage, 1995:33) culorile se imaprt in funcite de polaritatea lumina Intuneric, asadar avem:

PLUS         MINUS
rosu           albastru
actiune        negatie
lumina         umbre
forta           slabiciune
proximitate distanta
repulsie       atractie  

cerc-apa-verde
patrata-pamant-galben
triungi-foc-rosu
octagon-aer-albastru
dar si in functie de anotimpuri (ca si in China antica).

Sacrul (cerul, barbatui, dreapta etc.) profanului (pamintui, femeia. stinga ) (Rodney Needham Chichago 1963 citat in Mircea Eliade Nostalgia 1994:72)



Rubens Venus si Adonis
Exista o "psihologie a culorilor" dar exista si o "terapie a culorilor". In terapia culorilor Kandisky (Gage:1995:207) descrie cum lumina rosie are un efect stimulator pentru inima in timp ce albastru duce la paralizie. E atat de usor sa pictezi un amurg pe cat de greu e sa exprimi o dimineata. Apusul e rosiatic, dimieata insa e albastra. Apusul te incalzeste, dimineata e insa rece. Apusul e linistitor si bland, diminetile sunt nevrotice. Acel albastru al diminetii te inghiata. Aceasta simbolistica de care nu mai suntem constienti a ajuns pana in zilele noastre. Si oricine poate sa-si dea seama de asta daca are un robinet cu apa cald si rece, unde albastru e rece, rosul e fierbinte. Indecsi (pentru ca nu mai au valoare simbolica) se extind pana la minus-plus, polul Nord si Polul Sud, Yang-Ying.


Daca privim cu atentie pictura lui Van Eyck, observam ca femeia poarta, verde, albastru si alb, iar barbatuul poarta purpuriu. Evident ca puterea alchimiei a fost in mod special manifestata in arta. Astfel, participam la unirea elementelor foc si apa pe un decor rosu. Femeia isi da mana, este o casatorie, pentru ca dragostea, in mod simbolic, este Unire, este Unul lui Plotin. Iar unirea se desavarseste numai in barbat, prin purpuriu. Toate culorile, albastru, alb si rosu sunt amestecate pentru a da purpuriu. Imi aduc aminte de ora de desen, in care amestecam toate culorile, si in mod fantastic rezulta un rosu murdar. Acea culoare se numea purpuriu. Ma gandesc acum ca toate culorile duc spre aceasta singra culoare, ca intr-o gaura neagra ce absoarbe lumina. Din purpuriu au iesit culorile in vechea alchimie, cum din aur derivatele. Culoarea peredelei ce desparte Sfanta de Sfanta Sfintelor din vechiul templu evreiesc era de culoarea purpurie. De aici si o adevarata simbolistica a culorilor incepand cu anul 100 d.h.


Paolo Veronesse Venus si Adonis
Cum s-a ajuns atunci la perceptia moderna ca rosul e o culoare exclusiv "feminina"? Traim oare intr-o cultura "efeminizata"? Raspunsul meu este categoric Da.  Nu trebuie sa fac un sondaj, pentru ca stiu sigur ce mi s-ar raspunde daca as intreba un barbat: ce culoare preferi sa porti, albastru sau rosu? Cat despre femei, cunoastem prea bine dragostea lor pentru rosu, asociind culoarea deseori cu "pasiunea". Este totusi normal ca barbatul sa fie atras de feminin, iar femininul de barbatesc, precum polul Nord magnetic este atras de polul Sud al pamantului. Dar a fi atras de acel miros caracteristic, de femeie, si pana a-ti da cu parfum de femie, e o mare diferenta.



Meteyard Venus si Adonis
Lucrurile nu au stat din totdeauna asa. Daca rosul era asociat cu Soarle, cu sacrificu, cu Lumina, acesta culoare revine exclusiv barbatilor. Barbatul e Soare, el incalzeste pamantul si il face fertil, precum femeia e galben pentru ca e pamant, ori albastru, pentru ca e apa, reflectie a luminii, si transparenta, iar din galben si albastru rezulta verde. Din pamant si din apa creste rodul si umple pamantul. Femeia e de pe pamant, barbatul a venit din cer. Nu intamplator zeii se indragostesc de muritori.Priviti tabloul din stanga textului. Nu-i oare femeia invaluita de o frumusete care pana acum ne scapa simturilor? Nu-i oare acel verde, a unei femei implinite, asemeni pamantului acoperit de iarba ce-si da rodul la vremea lui? Cata senzualitate, rod al pasiunii feroce a barbatului poate exprima o femeie frumoasa. Gelozie si lupta, ambitii vechi, ura de moarte, toate isi gasesc pacea in femeie, ca un rau ce se varsa in mare. Verdele e un amestec de liniste si pace.

Ca sa descoperi resursele interioare, trebuie sa descoperi mai intai culorile din tine. Din punct de vedere psihologic, al functionalitatii, culorile au o mare importanta. Rosul e o culoare sangeroasa, e una brutala, e masculinitate, e furie si pasiune. Caci nu femeia trebuie sa fie pasiune, ci barbatul. Femeia e pamant, si de aceea nu e facuta pentru mari pasiuni, pentru ca ea trebuie sa nasca. Ea are o legatura mult mai strans cu corpul ei decat barbatul, ceea ce o leaga mai mult de viata de concret. Femeia e frumoasa, dar nu ea trebuie sa fie pasiune, pentru ca ea trebuie sa fie cucerita prin putere, inteligenta si frumusete asa cum fazanii isi infoaie coada. Femeia e dimineata, o dimineata rece care asteapta sa fie incalzita de Soarele ei. O femeie care nu-si accepta feminitatea, e o femeie pierduta.


Traind intr-o cultura "efeminizata", vedem la tot pasul aceeasta "disfunctionalitate" psihologica. E adevarat ca traim intr-o cultura efeminizata si datorita faptului ca "agresivitatea" lipseste. Si uneori e frumos sa traiesti intr-o lume creata dupa "chipul femeii". Pentru ca femeia nu poate fi agresiva, ea poate fi verde, albastru sau alb, asemeni covoarelor din vechiul Babilon. Trecerea de la o cultura ce apartinea exclusiv barbatului se face prin panza lui Jacques-Louis David(1748-1825). Poate ca si datorita mitului androginului, pentru ca un barbat frumos are trasaturi angelice. Mantia lui Paris e albastra, dar pastreaza totusi caciula in stil Tracic pe cap de culoare rosie. Astazi, prejudecata ca de "arta si de frumos" trebuie sa se ocupe femeile, pentru ca ele au "simt estetic", este dovada clara ca traim intr-o cultura efeminizata. Cum am mai spus, barbatul trebuie sa fie pasiune, el este creator prin excelenta. Paris are harpa in mana stanga, iar cu cealalta mana o prinde pe Helen.

Text si context in limbajul artistic

  • Arta este un construct social, cultural, asadar textul nu poate fi separat de context.
  • Se pune problema decodarii mesajului: O arta nu poate fi lipsita de context, altfel receptorul ar fi total in afara ei. Sa admitem prin absurd ca vom descoperi un OZN. Ii vom atribui acele imagini pe care ni le-am facut despre extraterestrii pe baza OZN-ului, dar niciodata nu vom putea gandi in afara "culturii noastre" extraterestrii. Chiar in fileme S.F., extraterestrii par a fi o rasa umanoida. 
  • Pluralitatea contextelor. Exista o multitudine de contexte asimilate, asemeni unui tablou in mai multe rame.
  • Pentru "arta abstracta", contextul este insasi muzeul. Arta ca forma de comunicare evidentiaza decat limitele limbajului.
  • Miscarea "verzilor", un nou context social. In lipsa unui "text", omul are nevoie sa fie prins mereu in "contexte". Si asa apartine grupului "feminist", sau "miscarilor pentru libertate sexuala", etc. Relatii publice, propaganda si manipularea, creatoare de contexte pe fondul dezvoltarii stiintelor semiotice(cotiturii lingvistice), care au facut posibila aceasta analiza a artei ca forma de comunicare.
  • Cum este posibila decodarea textelor din trecut? Se apeleaza la contextualitata prezentului. (Mieke B., & Norman B., Oxford, 242:1998). Asadar analiza artei este dublata de contextul in care a fost posibila creatia, si contextul "decodarii", al perceptiei, cel pe care i-l atribuim noi. Atat emitatorul cat si receptorul au bagaje informationale diferite, experiente diferite, si fac parte din universuri diferite. Prin analiza artei, aducem astfel un plus operei dar si o distorsionare. Se mai pune problema daca aceasta decodificare este posibila fara contaminarea "propriilor viziuni cu privire la acel context istoric". Probleme care par a gasi raspuns in "Filozofia istoriei" si "Imagologie."
  • Contextul nu tine numai de cultura in care este integrat, ci si de civilizatie. Pentru ca una e sa folosesti anumite tehnici moderne in tabloul cum ar fi, seringa, stropitul, photoshopul, etc, alta e sa folosesti culori provenite din excremente de animale.
  • Contextul e "rama". Restul se subintelege de la sine. Numai in acest "context" a fost posibila arta abastracta.
  • Analiza Textului nu poate fi separata de Context, chiar si atunci cand autorul este de o originalitate aparte. "Misterul" poate fi asadar cunoscut, important e cum "decodificam" continutu. Asadar, ideea romantica de inspiratie, nu-si are locul. Subiectivitatea se transforma in subiect, fara pretentii revelatorii.
  • "Mediul este mesajul". (Mcluhan, 1986). Adica contextul determina mesajul. De exemplu televizorul s-a transformat in "mediator". El este formator de opinii, iar realitatea "obiectiva" nu ne mai intereseaza. Una este sa citesti acelasi mesaj in ziare, sa-l auzi la radio, sau sa fii martor.
  • "Moartea subiectului creator" . Cine scrie? Sau cine vorbeste? "Pana la urma, nu conteza cine vorbeste sau scrie."  (Andres H., Oxford 330:1998) Adevarul este relativ. Important e sa il spui "raspicat si tare".
  • De ce o opera e incadrata in "curente artistice"? Pentru ca acel context "istoric", "social", "psiologic" a fost posibil. 
  • Dupa parerea mea, o data cu panza lui Velasquez in care il infatiseaza pe Philip al IV-lea al Spaniei cu familia, tablou in rama, caci apare insusi pictorul, arta s-a trasnsformat din text in context. Sau a integrat si contextul. Se renunta la un "subiect transcendent" de origine divina. "Mitul geniului" nu mai este posibil in acest context. (Citeste mai mult in postul Sentimentul omului modern.)
  •  Ce poate depasi contextul? Raspunsul e clar, inspiratia/revelatia. Caci numai inspiratia te poate face sa iesi din "normalitate", din spiritul vremii, iar aceasta nu poate fi decat de natura divina.  Un om care a depasit "contextul vremii", dupa parearea mea, a fost Miguel de Cervantes, Saint-Exupery, J.S.Bach, El Greco, si inca doi pe langa 'Acela'. Caci numai Acel "Adevar general valabil si universal" te scoate din context.

Despre Adevarul artistic

B: E prost cine iubeste!
R: Nici destept.
B: Esti filozof!
R: Sunt, ca-s cu burta goala!

"Canonicul" il acuza pe Don Quijote ca si-a pierdut mintile, din moment ce ia ca drept "reale" fapte neverosimile din cartile de cavalerie pe care le-a citit, incercand chiar sa le imite. Pentru Canonic "Adevar" nu poate fi decat ceea ce s-a intamplat in realitate, adica Adevarul Istoric, orice carte fiind o minciuna care trebuie luata ca atare. Don Quijote ii opune argument bazat pe evidenta: "Caci a voi sa dai inteles cuvia ca nu s-au aflat nicicand pe lume nici Amadis, nici toti ceilalti cavaleri aventurieri de care-s intesate istoriile, e totuna cu a dori sa incredintezi pe cineva ca soarele nu te lumineaza, nici gerul nu te degera, nici pamantul nu sta sub picioare!" Din punct de vedere retoric, Don Quijote se foloseste de o falsa analogie, ca un adevarat sofist. Pentru Don Quijote, Adevarul nu inseamna veridicitate. Caci, te poti lipsi de orice Adevar istoric, dar nu-i poti lua omului Credinta, care trece aici drept Adevar cu litera de lege. Atunci cand crezi, nu te mai intrebi daca acele fapte s-au intamplat sau nu, ceea ce e Adevarat ca n-ai putea trai fara aceasta credinta. Un Don Quijote care lasa loc indoielii, chiar si pentru o clipa, admitand ca n-ar fi un adevarat Cavaler Ratacitor, ar fi un Don Qujiote pierdut. Sa admita ipoteza "Canonicului" ar insemna sa admita ca el insusi, in carne si oase, nu exista, iar toata discutia lor e o fantasmagorie. Don Quijote nu traieste intr-o fantasma, ci traieste prin Adevarul care ii da viata. Chiar daca in ochii celorlalti este un mascarici, un clovn, el nu si-a pierdut insa respectul fata de sine. Ca vede in morile de vant Uriasi, ca vede intr-o turma de capre o adevarata Oaste gata de razboi, lucrurile astea sunt Adevarate cum "acum e ziua si nu noapte". 

Sunt Adevaruri, in ciuda evidentei, Adevaruri pentru care ne-am da viata, Adevaruri care din moment ce sunt declarate ca fiind false, Lumea asta va fi mai saraca. Canonicul face o confuzie intre Adevarul artistic si Adevarul istoric. Adevarul artistic este luat drept adevar atat timp cat faptele se misca in limita verosimilului. Fapte care chair daca nu s-au intamplat, ele sunt verosimile, ele sunt atat de reale ca si cum s-ar fi intamplat aidoma. Pentru Don Quijote a admite ca povestile despre cavalerii ratacitori pe care le-a citit sunt pure nascociri ale mintii, inseamna a admite despre el Insuis e un personaj de carte. Pentru noi Don Quijote a existat. Si nu mai putem concepe lumea fara personajul lui Cervantes. El a prins viata ca sa il putem vedea prea bine in pietele din toata Spania calare pe Rocinante. Mergand pe aceeasi retorica, daca n-ar fi existat, daca n-ar fi avut constiinta faptelor sale demne de laudat, marete, nimeni nu i-ar fi facut statuie. Si oricine ar spune ca Don Quijote n-a existat, ori e orb, ori sa puna mana pe o carte si sa citeasca, ca sa se convinga, si sa vada. 

"Carti citite cu placere de o lume intreaga si laudate de mari si mici, de saraci si de bogati, de invatati si de nestiutori, de poporul de rand, ca si de nobili, in sfarsit, de tot soiul de oameni, oricare le-ar fi starea si avutul, ar insemna ca sunt minciuni? Nu mai spune dumneata una ca asta;[...] Spune-mi, se poate placere mai mare decat sa vezi, cum s-ar zice, ca numai ce ti se arata dinaintea ochilor un lac intins de smoala fierband cu bulbuci, in care misuna de-a-notul, incrucisandu-se o multime de serpi, vipere, de salmazde si de soparle, si fel de fel de alte multe soiuri de jivine vatamatoare si infricosate, iar din fundul lacului iese un glas cum nu se paote mai jalnic, rostind: Tu, cavalere, oricine-ai fi, care stai si te uiti la acest infricosat iezer, de vrei sa dobandesti comoara ascunsa sub aceste negre ape, arata-ti taria vredniciei tale inimi si arunca-te in mijlocul intunecatei si aprinsei lui mocirle.[...]Si sa vezi ca nici n-apuca bine cavalerul sa asculte tot ce spune glasul acela infricosat, ca, fara sa mai stea in cumpna si fara sa tina seama de primestia in care se arunca, ba chiar si fara sa se lepede de greutatea armelor sale tepene, isi incredinteaza sufletul lui Dumnezeu si doamnei sale si se azvarle in mijlocul lacului clocotind, iar cand nici cu gandul nu gandeste si nici nu stie cum are s-o scoata la capat, se trezeste in mijlocul unor campii inflorite, cu care Campiile Elizee nici n-au macare de-aface in nici o privinta! Acolo i se pare ca ccerul e mai limpede si soarele luceste cu o lumina mai proaspata."

Acest Adevar artistic este creator de sens, caci " In ceea ce ma priveste, pot spune ca de cand sunt cavaler ratacitor, sunt viteaza, masurat, marinimos, bine-crescut, generos, prevenitor, cutezator, bland, rabdator, in stare sa sufar chinuri, intemintari, farmece, si cu toate ca mai ieri-alartaieri m-am pomenit varat intr-o cusca de parca-as fi nebun, socotesc sa ma pot vedea, prin vrednicia bratului meu, de mi-o fi cerul prielnic si nu m-o vitregi norocuol, ajuns peste cateva zile regele vreunui regat unde sa pot dovedi cata recunostinta si marinimie incape in inima mea." Adevarul lui Don Quijote este Adevarul prin care traieste si care prinde viata Un Adevar care e mai evident ca soarele de pe cer. Caci, daca de simturi mai putem fi inselati, de acest Adevar, niciodata...Ce adevar e mai autentic decat Adevarul care te schimba? Iti poate rapi cineva aceasta bucurie prin argumentul stiintific, ca acolo nu exista nici un Dumnezeu? "Canonicul" pe buna dreptate e orb, pentru ca pe el nu-l insufleteste Adevarul. Traieste intr-o Lume prea saraca, caci el nu vede in pietre ceea ce, pe buna dreptate se vede, un inger inca neeliberat. In ziua de azi, a mai crede in carti, inseamna a impartasi destinul Printului din Levant, Cavelerului Tristei Figuri, Omului ce a facut din cuvinte paini, ca apoi sa fie rastignit intre Cer si Pamant, inseamna a impartasi soarta trista a lui Don Quijote, adica a trai singur printre oameni.

"Stapane, e apa jucand sub copaci...zicea servitorul zambind indraznet. Dar el raspundea intorcandu-se: Taci! Si Luna sclipea ca un colt de mistret." 

Despre Imaginatia animalelor


O sa incep ca de obicei prin a prezenta "teoria". Aici teoria isi pastreza sensul originar de "contemplatie".  Diferenta dintre inteligenta la om si inteligenta la animale, spune Henri Bergson, se deosebeste prin aceea ca omul fabrica unelte, ba mai mult, este inventiv. Daca omul fabrica unelte, animalele doar se folosesc de ele fara a le schimba natura. De exemplu, exista o specie de vultur care pentru a sparge ouale de strut arunca pietre de la o anumita inaltime. Pentru Bergson, omul se diferentiaza de animal prin aceea ca e "Homo Faber." Cu alte cuvinte, exista o diferenta in utilizarea imaginatiei, omul fiind creator de unelte, tehnologie, etc.

Nici Lucian Blaga nu sare prea departe de Bergson, de a carui filozofie a fost influentat. Lucian Blaga spune ca sensul particular al existentei omului este dat de faptul ca spre desoebire de celelalte fiinte, omul se afla in acest Univers "intru mister si pentru revelare". Mai mult ca Bergson, Blaga spune ca omul tinde spre acele scopuri care nu tin de siguranta personala, de adaptabilitate, specific animalelor care, spre desoebire de om, traisc intr-un Univers imediat si pentru securitate. Cu alte cuvinte, animalele nu ar putea niciodata sa faca opere de arta, deoarece imaginatia lor este strict practica. In continuarea ideii lui Blaga, Mircea Eliade ar spune ca specificul omului este acela de a fi "Homo religiosus."  

Am vazut la televizor cum unii elefanti au fost invatati sa picteze. Nu stiu daca in picturile lor se pot intrezari "mutatii stilistice " . Daca au fost dresati sa reproduca cu o mai mare acuratete sau mai mica, atunci diferentele de stil nu vin din imaginatie, ci din manuirea pensulei. Nu asta insa m-a derterminat sa scriu acest post. Ma jucam insa cu o pisicuta care avea in gura un ghem pufos. Si nici in ruptul capului nu-i dadea drumu. Incepea sa maraie, sa isi apere "prada". E doar un ghem, un ghem...i-am spus pisicutei, dar ea n-a vrut sa ma creada pe cuvant. I-am luat ghemu si i l-am aruncat cat colo, dar pisicuta l-a recuperat in trei secunde. Ce pisicuta proasta, mi-am zis in gand... Sa vada ea intr-un ghem de plus, intr-o jucarie, un veritabil soarece de camp. Ce-si imagineaza ea cand alearga inutil dupa siretul tenesilor mei? Si ce poate visa o pisicuta cand isi misca labutele in somn, cand in viata ei n-a vazut un soarece de camp?

Bergson mi-ar raspunde, ca pisicuta se joaca pentru ca invata sa pradeze. Ca tot ce face ea nu-i decat un mod de a-si intra in rol. Ca dintr-un instinct de pradator se comporta asa cu ghemul. Ca isi foloseste imaginatia strict pentru a vana.  Ii multumim D-l Bergson ca pana aici are dreptate si chiar ne-a fost de folos.  Mergand pe ideile din celelalte posturi, eu as putea spune ca animalele au imaginatie, dar nu apeleaza la "imaginar" si nici la trecut pentru a-si prelucra experientele. Oare animalele sa nu invete nimic din trecut? E adevarat, nu exista o mitologie proprie animalelor...  Ne-am facut prea multe griji cu privire la ce credem noi despre "regnul animal", fara sa ne pese ce isi "imagineaza" animalele despre noi. De ce oare acelasi cainele il latra furios pe cersetor, dar nu si pe acest trecator? Sa fie un instinct? Sau sa fie pura imaginatie doar pentru ca cersetorul e urat imbracat, zdrenturos? Haideti sa le numim "prejudecatile cainelui".

Dar daca si nepotelul meu vede in acel ghem de plus un ursulet, care nu-i mai putin adevarat si care are sentimente, Universul lui oare tot in aceasta grija imediata se desfasoara? Si care ar fi diferenta dintre imaginatia copilului si imaginatia pisicutei? Copilul se joaca pentru ca sa isi intre in rol? Care rol? De om mare? Prin joc intelegem doar a socializa? Ei nu, ar fi prea simplista viziunea asta... I-as raspunde totusi d-l Blaga: a te juca inseamna tocmai a te afla in acest univers "intru mister si pentru revelare". Prin joc, desi tu n-ai trait, ca intr-un vis, ti se releva acele taine ale lumii. Si cate nu invata copiii prin joc? Fara sa isi dea seama, trec prin toate etapele vietii si prin toate Misterele Lumii.

Imi aduc aminte, copil fiind, cum ne lasam dusi pe spate de sanie ca pe un rau de lapte. Si aceasta partie nu era mai putin fermecatoare decat Calea Lactee, pentru ca in jocul nostru priveam stelele. Si cum te poti adanci in acest Univers Misterios, "intr-o corola de minuni" daca nu in joc, atunci cand constiinta noastra inca n-a fost pervertita de "imediat"? Imaginatia pisicutei sa fie oare de alta esenta? Nu, ca altfel nu i-ar pieri pofta de joaca. Daca admitem ca da, atunci pierdem ceva, nu din natura animalului, ci din natura omului.  

Daca a te afla "intru mister si pentru revelare" inseamna a te juca, ei bine, atunci arta ar trebui sa fie "joaca celor mari". Caci si copilul si artistul intruchipeaza numai ideea: de poduri, de autostrazi, de ursi, de pompieri. Pisicutele nu stiu sa picteze. Imaginatia lor nu depaseste, ce-i drept, imediatul. Dar, atat timp cat se joaca, atat timp cat vad intr-un ghem de plus un veritabil Soarece-de-camp, atunci ele traiesc intr-un Univers Revelatoriu. Li se releva Lumea sub aspectele cele mai simple si atat cat "poate mintea lor sa priceapa".  Eu cred ca imaginatia animalelor depaseste imaginatia noastra cu privire la ele. De aceea, ar trebui sa privim cu mai mult interes asupra acestor lucruri "aberante".

Greseala de care am fost bantuiti secole, incepand cu Darwin, a fost aceea ca omul ar putea sa semene prea mult cu animalul. Si vrand se recuperam Umanitatea, am privit "natura umana" ca fiind tot ceea ce seamana sau se diferentiaza de animal. Nu, nu pierdem nimic din misterul omului. Ba din contra, acceptand imaginatia animalelor, vom intelege ca ne aflam intr-o Lume minunanta, iar orizonturile noastre se vor largi. Numai omul a cazut in imediat, prins de grijile cotidiene si uitand sa picteze, sa se joace, si sa creeze. Iata dar, facem unelte numai din grija noastra pentru securitate, comfort si imediat. Imaginatia noastra se rezuma la "design".

Adnotari

Zilele astea m-am apucat sa citesc Eseu despre Om, Cassirer. Iata ce idei interesante am gasit, incontinuarea a ceea ce intuiam mai sus:

Dacă prin inteligentă înţelegem fie o acomodare la mediul ambiant imediat, sau o modificare adaptabilă a acestuia, trebuie să atribuim cu certitudine animalelor o inteligenţă relativ dezvoltată. Trebuie să se recunoască, de asemenea, că nu toate acţiunile animalelor sînt guvernate de prezenta unui stimul imediat. Animalul este capabil de tot felul de ocolişuri în reacţiile lui. El poate învăţa nu numai să folosească instrumentele, dar chiar să si inventeze unelte pentru scopurile lui. De aceea, unii psihologi nu au ezitat să vorbească despre o imaginaţie creatoare sau constructivă la animale.  

Pe scurt putem spune că animalul posedă o imaginaţie şi o inteligentă practice, pe cînd omul singur a dezvoltat o nouă formă: o imaginaţie şi o inteligenţă simbolice.

Addnotari p 230 Cassirer: Copilul se joacă cu lucrurile, artistul se joacă cu formele, cu liniile şi desenele, cu rit­murile şi melodiile. La un copil care se joacă admirăm uşurinţa şi iuţeala transformării. Sarcinile cele mai mari sînt realizate cu mijloacele cele mai puţine. O bucată de lemn poate fi transformată într-o creatură vie. Totuşi, această transformare semnifică doar o metamorfoză a obiectelor însele; ea nu înseamnă o transformare a obiectelor în forme, în cadrul jocului, rearanjăm doar şi redistribuim materialele oferite percepţiei senzoriale. Arta este constructivă si creatoare într-un sens diferit şi mai profund. Un copil care se joacă nu trăieşte în aceeaşi lume a faptelor empirice rigide ca şi adultul.


Vorbind din punct de vedere psihologic, jocul si arta au o mare asemănare între ele. Ele sînt neutilitare şi nelegate de nici un scop practic. în joc, ca şi în artă, lăsăm la o parte nevoile noastre practice imediate pentru a da lumii noastre o nouă formă. Dar această analogie nu este suficientă pentru a demonstra o identitate reală. Imaginaţia artistică rămîne întotdeauna în mod clar distinctă de acel tip de imaginaţie care caracterizează activitatea ludică. în cadrul jocului avem de a face cu imagini simulate care pot deveni atît de vii şi impresionante încît pot fi luate drept realităţi.

Frédéric Chopin - Nocturna 20 in Do Minor


Nimic nu-i mai artistic, si sa se adreseze in mod nemijlocit inimii, decat muzica. La acest tip de "cunoastere"  nu se ajunge totusi oricum. Chiar daca nu-i nevoie sa ai doua facultati, iti trebuie un suflet incapator. Pentru ca nu poti cunoaste decat ceea ce esti. De-aia zic eu, ca la Chopin se ajunge putin mai greu. Se incepe de obicei cu Nocturna nr 20 in Do min.

Inainte de a da play, trebuie mai intai sa astepti toamna, sa pasesti pe sub porti de castani, acolo unde lacul odata cu nuferi este acum plin de frunze. Trebuie sa astepti bruma sa cada peste struguri ca abia atunci sa-l intelegi pe Chopin. In acest decor sa asezi un pian alb. Atunci cand prietenii au plecat, mesele au fost parasite, paharele goale, atunci se asculta Chopin. Dupa o noapte vesela, cand ai ramas singur sa te mai judeci cu Dumnezeu, fara sa iesi invingator. Intr-o noapte cu ferestre spre stele, caci tu, numai tu cunosti sentimentul farului ce lumineaza aleea ingusta, cand se crapa de ziua in albastru. Si El, care stinge luminile cand lumea adoarme...El, care le vegheaza somnul, caci, ei nu stiu prin ce minune maine va fi un Cer si un Pamant Nou.

Chopin se asculta cand lumea pleaca la serviciu, cand primul metrou iese din depou. Chopin se asculta la ora 6 din noapte, cand un copil se trezeste din somn, pentru ca merge la scoala, si ceaiul suiera fierbinte in ibric. Cand acea mama isi ia capodul, sa-l conduca in strada inca luminata, si papucii de casa, si umbrela pentru ca afara ploua marunt. Numai in aceasta zona se asculta Chopin. Si n-ai sa intelegi de ce, daca pe tine nu te-a prins dimineata, cu constiinta treaza, cu mintea lucida ca o pojghita de gheata. Nu ai inteles nimic daca te-ai lasat cuprins de tristete, caci dimineata e aproape. Si cel ce il trezeste pe om din somn, vegheaza de pe inaltimi orasul. Caci, in dragostea lui, el priveste cu ingaduinta la acel copil ce-si urmeaza tatal ca un orb, si la acel om in salopeta, care tine strans pe genunchi o punga de nylon, caci in ea se afla dragostea femeii intinsa pe paine cu margarina si gem. Numai tu, om decazut, ai ravnit la fruct oprit, caci te-a prins zorii in gradinile diminetii...Pentru tine e Chopin, caci ai iubit si tu candva fara sa stii ce iubesti, aflat in somnul existentei, urma calda lasata de femeie'n asternut.

Maica Domnului Pedepsind pruncul Iisus II

Max Ernst
Revin, ca de obicei, la unele posturi sau daca vreti, obsesii. Rolul acestui blog, inainte de toate, e sa fixez anumite repere pentru mine. Apoi, sa reevaluez unele idei, sa ajustez sau sa completez. Iar daca aceste idei mai sunt si imparatasite, cu atat mai bine. De obicei, tehnica mea argumentativa nu urmareste tiparele retoricii. Adica, postez fragmente ca niste piese dispersate, cu multe trimiteri,  ca abia apoi concluzia sa fie evidenta. Ei bine, din cate mi s-a zis, nu-i evidenta deoarece multi nu fac conexiuni in minte intre concepte. Imi asum insa vina de a "complica lucrurile". As vrea totusi sa cititi primul post "Maica Domnului pedepsind pruncul Iisus" si sa urmariti apoi cu tabloul lui Max Ernst in fata cele trei scene. 

Daca exista un instinct al conservarii, exista si un puternic impuls spre autodistrugere. Iar aceasta autodistrugere priveste radacinile. Mitul sacrificiului suprem vine tocmai pe fondul acestor energii latente, Iisus fiind arhetipul omului care se autodistruge, cel care se castreaza, cel care se mutileaza pentru noi , pentrua ne elibera. Caci suntem "apriori" vinovati, iar pacatele le mostenim de la parinti, si patimim pentur ele. Falsa umilinta priveste tocmai aceasta automutilare, intr-atat incat nu mai recunosti omul. Lipsit de dragoste, omul se razbuna pe sine insusi.

Langa noi locuia un copil de-o seama cu mine. Parintii lui ii spuneau sa fie cuminte, sa citeasca, sa manance tot din farfurie, dandu-i mereu ca exemplu pe mine. Intr-o zi pisica a facut 5 pisoiasi, iar copilul de-o seama cu mine, i-a luat si i-a pus intr-un cos intr-un loc "sigur". Numai ca pisoii nu stateau deloc in cos. Cu cat ii punea in cos cu atat ei fugeau mai tare, fapt pentru care dupa multe incercari si-a pierdut rabdarea si a inceput sa-i bata. Ii tragea de coada si ii baga cu nasu in lapte, pentru ca pisoiasii mioralaiu din ce in ce mai tare. La un moment dat si-a pierdut cumpatul si a aruncat cu unu in zid. Am crezut ca l-a omorat. Cand l-am intrebat de ce face asta, el mi-a raspuns: Pentru ca sunt niste pisoi neascultatori!

"Fenomenal!" spunea un domn. "Am avut stramosi cu care ne putem mandri, poieti, pictori, scluptori si chiar oameni de stiinta.O mostenire enorm de bogata,superba.Dar noi ce am creat?Cu ce ne-am afirmat?Cu furturi si hotii?Cum putem vorbi de ei?Nu cumva ii facem de rusine?Ar fi timpul sa creem si noi ceva...macar o alta impresie!!!" Priviti trecutul eroic, caci ei, stromosii nostri au realizat ceva. Iata dar cum pot fi canalizate energiile colective. Automutilarea functioneaza de data aceasta sub pretextul unei cauze nobile. Acum intelegem de ce a fost posibil un regim atat de opresiv in tara Romania. El prelua toate energiile, toate pretextele, toate automutilarile, toate libertatile grele, toate frustrarile, asupra unui singur conducator: Tatucul!

Mai apoi imi trimite cineva blogul unei fete care a facut cariera prin ONG-uri, dar acum parasise tara. Participa la tot felul de "manifeste" cum ca "salvati si cainii vagabonzi ca si ei au o inima si-un dor", sau "mai mult verde pentru Romania, mai mult verde pentru tine", sau "azi plantezi un brad, maine-ti faci schiuri din el". Ma rog, nu chiar asa, dar pe aproape. Am dat-o intr-un ton ironic nu pentru a scoate in evidenta "inutilitatea" unei campanii. Ea e de laudat. Am folosit tonul ironic pentru a observa inadvertenta intre a "pune ordine in tara" si nevoia de "ordine". Caci, si cel care taie coada pisicii, cat si blogul fetei care a terminat Relatii Publice, sunt dovada vie a unei autoflagelari. Acesti oameni, nfereiciti de altfel, care n-au fost iubiti, deci nu stiu sa iubeasca altfel, ar fi in stare sa te omoare pentru un muc de tigara. Bineintles, din ravna, din faptul ca se "port aspur cu trupul" sau din eu mai stiu ce motive sincere, nobile si de laudat prin "cauza" lor. Caci, ce-i tragic si comun in toate, e chiar sinceritatea omului!

Ce patimi, ce pacate, ce copilarie il indeamna pe om sa se pedepsesasca atat de aspru? Pacatele parintilor! Sf. Pavel spunea ca se poarta "aspru cu trupul sau". Nu-i de mirare ca Max Ernst suprinde ravna sa de a fi un copil  "cuminte" , suprinde  automutilarea, flagelarea, acea vinovatie "apriori" , purtandu-se "aspru cu trupul copilului".  Caci, asa cum am mai spus in primul post, autoritatea Mamei nu este pusa la indoiala si nici "justitia" ei.

P.S. Poate ca asta ne explica si tendintele/fanteziile masochiste. 

Istoria peisajelor II

Vroom Hendrick, Dumbrava 1625 
N. Grigorescu Fete lucrand la poarta

Jan Both Pas Montan 1639-1641
Teniers David Tigani cca 1685
Francisco Goya- Gaina oarba- 1788

Carlos de Haes, Defileu, 1872.
David M. Peisaj Alpin 2009

Revin la un post care imi e tare drag. Poate cel mai drag din toate cele postate aici. Istoria peisajelor. Si poate ca nimeni n-are sa inteleaga ce importanta are aceasta "mutatie ontologica" in viata omului modern, daca n-a trecut macar o data prin "dumbrava minunata". Inainte de a trece mai departe v-as recomanda sa cititi Istoria peisajelor.  Altfel nu o sa vorbim aceeasi limba.

Am pus o poza cu un cuib in care erau pui in gaoace, iar un bun prieten imi spune: Wow, puii. Am pus o poza cu niste stupi iar o copila imi spune: Albineeeee. Si atunci ma intreb, unde am gresit? Caci, daca vroiam sa va arat pui, pozam zece mii de pui. Si daca vroiam sa va arat albine, atunci strangeam toti stupii din lume intr-un singur loc.

Asadar, Istoria peisajelor inseamna de fapt istoria imaginarului. Cum se transforma imaginarul din sentiment in grandoare, din traire in superlative?  Si pe buna dreptate, pretentiile mele sunt nejustificate cand vreau ca cei doi prieteni sa vada dincolo de "cei mai multi pui din lume sau cele mai multe albine". Sau, asa cum vedem in imaginea "Defileu" pe care i-am atribuit-o lui Carlos de Haes, cel mai inalt drum rutier din romania, Transfagarasan! Sau, in Peisaj Alpin, "cel mai albastru cer".

"Eu cred ca vesnicia s-a nascut la sat!" spunea Lucian Blaga in "Sufletul Satului". Pai daca ai iesit de sub vesnicii, e imposibil sa mai recuperezi sufletul satului cu aparatul foto. Vedem toti acesti turisti cu aparatele lor de fotografiat cum vor sa prinda momentul, caci orice poza e dovada faptului ca ceva le scapa, cascada Niagara in cadere, sau, ceea ce ne lasa gura casca, Marele Zid Chindezesc.

Istoria peisajelor e de fapt istoria departarii de obiect. Lumea nu mai poate fi cunoscuta la nivel senzorial. O data cu limbajul se produce mutatia ontologica de la obiect la semn si semnificant. Noi nu mai traim realitatea, ci doar o semnificam prin imagini si simboluri. Si doamne, de cate "imagini fara trup" nu suntem insufletiti astazi...

Copilo, ti-as spune in asentimentul lui Blaga, "pune-ti mainile pe genunchii mei. Uite, e seara, sufletul satului falfaie pe langa noi ca un miros sfios de iarba taiata, ca o cadere de fum din stresini de paie, ca un joc de iezi pe morminte inalte." 


Versuri: Lucian Blaga
Muzica: Bucium 
Asezare: David M.

             
                                                                                              
                     

Portretul psihologic

Portret D.M. Artist: Abraham, Milano 2011
 "Ochii sunt oglinda sufletului."

Imi aduc aminte de o experienta, daca nu revelatorie, cel putin relevanta. Ma plimbam acum un an noaptea pe strazile din Cardiff si dintr-o data am intalnit un om al strazii care plimba un carucior plin cu gunoaie. S-a oprit pentru un moment si m-a privit in ochi. Mi s-a parut o vesnicie, desi cred ca au fost cateva clipe. L-am privit si eu la fel de intens, insa n-am gasit nimic, decat niste ochi blanzi. Si nu ochii lui erau goi, nu privirea lui pierduta, lipsita de orice expresie, ci ochii mei. Ma vedeam compatimandu-ma ca intr-o oglinda. Poate ca pentru el a fost o simpla provocare, un joc de-a cine cedeaza primul, cine nu clipeste, cine e mai incapatanat, cine e mai sfidator. Credeai ca poti gasi ceva dincolo de om? Credeai ca poti sa treci scara peste prapastie? Credeai ca il poti lua in brate? Credeai ca poti comunica de la suflet la suflet? Te-ai insealat. Nu e nimic, in afara unei senzatii, in afara unei alteritati. Exista o dedublare a noastra, dar ramanem izolati in propria substanta atunci cand incercam sa legam punti. Suntem singuri, si totusi solidari. 

A doua experienta care m-a determinat sa scriu a avut loc acu o saptamana, in Milano.  L-am intalnit acolo pe Abraham, un artist venit tocmai din arhipelagul Filipine. S-a oferit sa-mi faca portretul, asa ca am acceptat bucuros. V-as indemna pe toti la o asa experienta. Pentru ca cea mai frumoas sentiment este cel  al asteptarii. Nu-i ca si cum astepti trenul in gara, ci e o asteptare plina de suspans. Esti martorul unei minuni, martorul unei nasteri din nou din carbune, cu buzele bine conturate si cu zambetul surprins usor in coltul gurii. Cel mai mult, dupa cum avea sa-mi marturiseasca Abraham, lucreaza la ochi. Pentru ca daca ochii ii reusesc, atunci portretul e realist. Chiar daca numai din creion, el trebuie sa prinda sclipirea, si culoarea, si adancimea ochilor. Pentru asta, are nevoie de ajutorul modelului. Nu poate surprinde ceea ce omul nu lasa sa se vada. Trebuie sa te deschizi in fata artistului. 

In copilarie, mamele autoritare tind sa-si fixeze destul de des copiii din priviri. Acest lucru ii face sa devina hipersensibili. O fixare insa moderata si o comunuicare vizuala le pote dezvolta  inteligenta emotionala. Pe de alta parte, odraselel fixate din priviri autoritar si mustrator, tind sa devina timizi si sa nu mai priveasca omul in ochi atunci cand vorbeste cu el. Acest lucru poate crea blocaje pe termen lung si se observa cel mai bine la oamenii introverti. Tocmai ca la Abraham acest lucru lipsea cu desavarsire. Privirea lui era ca o deschidere catre sufletul omului. Una onesta si bidirectionala. Pentru ca ochii lui ma fixau din secunda in secunda. Ochii lui erau blanzi, dar nu lipsiti de continut ca ochii acelui om intalnit pe strazi.  Abraham cand desnea intra intr-o forma de transa. Daca il intrebai ceva nu iti putea raspunde. Si tocmai ca aceea seriozitate era una transfigurata intr-un suras. Se vedea ca e un om impacat cu lumea, ca stie sa citeasca omul care se aseza in fata lui ca in fotoliu psihologului. 

Bastinasii aveau impresia ca oglinda, si mai tarziu pozele, fura sufletul omului. Nu se inselau total. Adevaratul portret, asa cum am vazut in postul "Portrete vii in Galerii moarte" portretul lui Jaquin de Eleta de Rafael, este cel psihologic. Pentru ca doar asa poti fura sufletul omului, printr-un transfer. Nu poti picta decat ceea ce esti dispus sa primesti, iar pictorul nu poate surprinde decat ceea ce esti dispus sa lasi. Esti un om inchis, introvertit, nu-ti va fi reusit niciodata un portret. Esti un om deschis, senins, cu ochii misteriosi si totusi plini de pace ca cei ai Marii, atunci vei putea sa te recunosti peste ani. Caci, daca trupul nostru se schimba de sapte ori intr-o viata, poarta de acces spre noi raman totusi ochii. Altfel cum te-ai recunoaste? Oglinda nu poate fi dovada identitatii noastre, iar un portret reusit tocmai asta trebuie sa ne redea: IDENTITATEA!

Frida, intre doua Lumi



Revenirea la Frida e ca o intoarcere in podul casei, acolo unde ai lasat bicicleta, acolo unde Mama a urcat patinle ruginite. Revenind la Frida te intorci in Romania. Tu cel de alta data iti dai mana cu cel de azi. Revenind la Frida in iernile reci, cand ceaiul arde in ibric si doar mirosul de mecarptan te mai trezeste din reverie, din jocul fulgilor...Da...sa-ti dai mana si sa te imbratisezi uneori tine de o igiena sufleteasca. O imbratisezi pe Mama ca n-a fost acolo Toamna sa te impace, cand te-a trezit vantul ce batea in usa de la intrare.

Aici Frida in rochie Mexican isi da mana cu Frida in  rochie "modena". Impacarea nu vine decat o data cu Tara, caci orice om e certat la un moment dat cu Tara. Si in dragostea lui sincera, cade pe branci, si lupta pe coate. In dragostea lui, care e o dragoste cu minus in fata, se pedepseste in suferinta, crezand ca traieste ceva mare. Arta mare nu se naste din suferinta, ci in dragoste. Suferinta e doar pretextul, niciodata arta. Numai cand iti dai mana vei intelege ce inseamna a iubi, pentru ca iubirea nu trebuie sa doara. Nu confunda melancolia, acea boare care aduce notele lui Corelli de departe, sau dorul de Tara, cu suferintele tale launtrice. Da-mi mana, fratele meu. Impaca-te cu Tara! Nu prin campanii si nici prin "nevoia de ordine," nici prin termene pe care ti le dai ca un bolnav de cancer...

Esti legat de un fir subtire de cele doua inimi, caci suntem din acelasi sange, iar sangele apa nu se face...  Dragostea de Tara face parte din destinul tau. Nu poti iubi altfel, nu poti avea acces la resursele tale fara aceasta imbratisare. De ce esti certat cu Tara? Ai urcat in pod visele tale, opere neterminate si dorinti de a cuceri Lumea. Ai urcat in pod ca intr-un cer incapator  copilaria, ca sa o salvezi de la un potop. Si ai urcat muntele Sfant, ca sa nu te mai atingi de el. Ai inchis usa in urma ta. Dar noaptea podul coboara in vis, si te nelinisteste, caci fara sa stii, furia, si sanul femeii, si fostele iubiri, nu-s decat un strat subtire de praf peste sufletul tau.

In perioada Americana Frida picteaza intr-un stil care parca nu-i al ei. Cumva o combinatie intre suprarealism si "arta pop" specifica culturii americane. Intr-un tablou, plin de deseuri si pet-uri, intr-o suburbie a New-York-ulu Frida Kahlo este infatisata intr-o rochie roz tinand steagul Mexicului in mana. O rochie roz simbol al cercurilor mondene si a vietii boeme pe care o ducea in New York, fiind captiva faimei lui Diego Rivera. Nu de putine ori ii propune iubitului sa se intoarca, dar Diego amana de fiecare data intoarcera in tara.  Abia cand se intoarce in patria mama Frida isi picteaza marile opere care aveau sa ramana in imaginarul colectiv printre care si acest tablou. Frida, iata, isi da mana cu cealalta Frida. Se impaca cu ceea ce este. Abia dupa aceasta impacare poti pleca liber in Lume, caci Tara nu te mai doare, iar dorul devine cant. Fara intoarcere e cu neputinta sa faci Arta Mare...Intre culoarea locala si marile opere mereu a existat o legatura de sange.

Cu aceasta impacare dovedesti faptul ca nu exista nici o contradictie intre Tine, cel plecat in lume, si Tine cel de-acasa. E o continuitate atat pe axa timpului cat si pe cealalta variabila, spatiala. Caci, oriunde ai fi si orice ai face, miscarile iti vor apartine. Poti fi Frida in New-York cum prea bine poti fi la Paris. Important e sa iti dai mana la un moment dat si sa te impaci cu Tara si cu destinul tau. Numai asa viata ta va deveni opera fara discontinuitati, destinul unui om si va prinde forma. Lumea va incerca sa te incadreze in curente, sa te  clasifice pentru ca toata stiinta omului e o grea munca de clasificare, intr-atat incat si norii i-a clasificat. Dar tu stii, ca un "eu dual" nu-i de fapt deca unul si acelasi: Frida Kahlo. Nu exista nici o contradictie in om, ci doar in actiuni, asa ca nu trebuie sa te miri cand lumea vrea sa te "inteleaga". Caci nu-i nimic de inteles atunci cand iubesti...

Intoarcerea in Tara e de fapt intoarcerea in podul copilariei. Acolo te-ai pierdut pe drum. Acolo te-ai certat pentru prima data cu Tara si ai plecat in Lume...Credeai ca faptele mari se masoara cu o masura de orz, si in avantul tau intelegeai libertatea prin zborul de dasupra apei. Inchideai ochii in bataia vantului, dar nici asta nu-ti dadea libertatea adevarata. Te intorceai trist in patul tau far sa stii de ce, caci aveai toate motivele sa fii fericit, si-ti constientizai fericirea ca pe o evidenta, dar nici asta nu era fericire. Caci ai coborat din pod si ai lasat acolo marile tale opere. Ai coborat din pod si iata ca acum miscarile nu-ti mai apartin. Ai cazut din viata si nu stii care "eu" e mai adevarat. Nu mai stii ce-ti apartine. Nu mai stii ce iubesti si nici ce te face sa plangi seara, caci arcusul unei vioarae te mangaie pe obraz. Vezi tu fratele meu, se poate trai si cu aceasta nostalgie a tarii, se poate trai si fara sa te regasesti, dar ce viata-i asta? Da-mi mana si ia-o pe-a mea. E timpul sa trecem podul... 

De ce suprarealismul?

Magritte Violul
Pentru că picturile suprarealiste sunt bogate în semne, indexuri, iconuri, ca formă de comunicare conţinând un mesaj, cât şi simboluri arhetipale ca formă de cunoaştere iraţională. Astfel, putem evidenţia arta ca formă de comunicare cât şi arta ca formă de cunoaştere. Am încercat să fac un arc de la teoria limbajului la teoria cunoaşterii. Ambele forme fiind, zic eu, la fel de legitime în interpretarea şi manifestarea formelor artistice. Trebuie să precizăm şi să subliniem, ca orice interpretare a unei picturi suprerealiste se transformă inevitatbil într-un act hermeneutic, ca act de comunicare. Pentru că în domeniul artelor plastice, a comunica înseamnă a obiectiva, a te folosi de acele canale şi mijloace pentru a înţelege limbajul, pe când a cunoaşte înseamnă a simţi, a atinge, a plăcea. Cunoaştem atât cât simţim, comunicăm atât cât am învăţat să comunicăm. Aici ar fi diferenţa între criticul de artă şi cel care vibrează fără să înţeleagă de ce în faţa unui tablou. A plăcea. Iată un principiu iraţional, o formă de cunoaştere dată şi de zicala plăcerile nu se discută. 

Pentru a înţelege mai bine curentul suprarealist, trebuie mai întâi să îl definim, să îi vedem sursele de inspiraţie, influentele, ideologia şi specificul. Aşadar, o definiţie propusă curentului suprarealist priveşte arta ca "automatism psihic prin care îşi propune să exprime, fie verbal, fie în scris, fie în orice alt chip, funcţionarea reală a gândirii, în absenţa oricărui control exercitat de raţiune, în afara oricărei preocupări estetice sau morale". Suprarealismul susţine că adevărul şi arta se află în realitatea superioară a anumitor forme de asociaţie" bazate pe atotputernicia visului, pe "jocul dezinteresat al gândirii" eliberate de constrângeri.  
Suprarealismul este o mişcare izvorâtă din dadaism, ca luare de poziţie împotriva ordinii sociale şi culturale. Curentul se debarasează de toate formele logice a moralei şi a oridinii raţionale, ca bariere în exprimarea liberă a fanteziei, a revlaţiei şi a instinctelor care ar fi putut duce la adevărata cunoaştere de sine. O parte din suprarealişti îşi însuşeau teoriile lui Freud şi urmau ideea libertăţii individuale, în virtutea incoştientului.
"Nici avangardiştii cei mai radicali, precum Tristan Tzara, nu şi-au urmat în operele lor indicaţiile programatice de a cultiva hazardul pur, de “a scoate cuvintele din pălărie”, ci au integrat replicile lor împotriva academismului şi asociaţiile surprinzătoare pe care le practicau într-o structură dătătoare de sens."

Ar fi absurd să afirmăm că supraralismul, ca şi dadadaismul nu au rerprezentat decât forme goale de cunoaştere, datorită caracterului iraţional, fiind un simplu joc dezinteresat al gândului. Chiar dacă metodele folosite în revelarea acelor forme aparţin unui domeniu clar-obscur, finalitatea lor se îndreaptă către un scop practic. Pentru că în suprarealism, efectul estetic se naşte din asocieri surpinzatoare care generează un sens, sau în cel mai rău caz, exprimă incoerenţa vieţii. A încerca să pui ordine în Univers prin teoreme şi supoziţii, e la fel de absurd ca şi cum ai încerca să dovedeşti că dadaismul nu are pic de adevăr pentru simplu fapt că se refuză oricărei raţiuni. Pentru că viaţa tinde să se prindă singură în forme. Tocmai asta încercă să suprindă pictura suprarrealistă, formele pure, sau viaţa ca automatism, viaţa ca absurd, suprinzând iubirea dintre o maşină de cusut şi o umbrelă aflate din întâmplare pe masa de operaţie aşa cum o vedea Lautréamont. Când hazardul este evidenţiat, când întâmplarea şi absurdul vieţii au fost puse pe pânză, atunci ele nu mai şcochează, devin simple posibilităţi de fiinţare. Atunci când îţi cunoşti problemele, ele devin suportabile. E ca şi cum am elimina din logica noastră o variantă a hazardului. Aristotel vedea în artă, prin extensie, fapte care s-au întâmplat sau lucruri care urmează să se întâmple în limitele verosimilului şi ale necesarului.

În suprarealism, necesarul poate fi privit sub aspect terapeutic dar şi sub aspect revelatoriu, visul având o funcţie de premoniţie. Nevoia de absurd poate fi un lucru necesar pentru a putea împăca contrariile, iar faptele care s-au întâmplat sau sunt succeptibile să se întâmple aparţin incoştientului. Pentru că incoştientul ne duce deseori la acele fapte care ne fac să ne mirăm de noi, incoştientul fiind verosimilul de la marginea realităţii. Suprarealismul vine ca o debarasare de barierele gândirii analiticce, ale raţiunii, şi încearcă să integreze latura incoştientă a omului, visul şi fantezia, într-o formă intuitivă de cunoaştere.

Cunoaşterea nemijlocită prin artă

Icoana Bizantina Sursa: Mirela Miron 

Am văzut in postul "Caracterul iconic al artei" cum simbolul mijloceşte între semnul fizic şi conceptul mental prin semne, aceasta fiind mai mult abordarea semiotică a culturii şi a artei. Va aduc aminte ca cele postate aici se impart in doua mari concepte: Arta ca forma de coumuanicare si Arta ca forma de cunoastere. În continuare vom insista mai mult pe abordarea psihanalitică (Arta ca forma de cunoastere), pentru că ea priveşte din altă perspectivă simbolul, mai apropiat de forma pe care vrem să o surprindem în creaţiile artistice, în speţă în pictura suprarealistă. 

În termeni jungieni, simbolul nu cuprinde nimic, el nu explică, el trimite dincolo de el însuşi spre un sens aflat încă dincolo, insesizabil, presimţit în chip obscur, imposibil de exprimat în chip satisfăcător în limbajul curent.(Jung,1998:72). În concepţia lui Jung, un spirit care are nevoie de un simbol pentru a se exprima este un complex psihic, ce conţine germenii creatori. El reprezintă o infinitate de posibilităţi creatoare, o varietate de sensuri. Pe când spiritul care se traduce prin concepte mentale aparţine eului nostru conştient. El nu va produce nimic, nu va face nimic decât ceea ce am pus în el. (Jung,1998:72)

Bogăţia formelor artistice formează mai mult decât un eu izolat. Altfel, opera niciodată nu şi-ar depăşi artistul, ar fi doar o simplă bibliografie a unui autor obscur. Dar valoarea operelor artistice atribuie spiritului un complex independent şi superior, capabil să suscite în manifestările viitoare toate posibiltatile psihice inaccesibil conştiinţei eului.

Arta este deci mai mult decât căuatarea propriului spirit. Pentru că, aşa cum spune Jung, (1998)" un un spirit care caută propria sa împlinire este un spirit rătăcit." După cum am văzut în posturile anterioare, chiar dacă simbolul apare într-un mediu social, se iveşte într-o conştiinţă individuală şi este filrtat de bagajul cultural al fiecărui individ, el depăşeşte acest cadru fiind strâns legat de psihologia colectivă, de arhetipuri şi de imaginile primordiale care nu se mai obiectivează în planul conştiinţei. 
"Simbolurile „nu sunt creaţii arbitrare ale psihicului; ele răspund unei necesităţi şi îndeplinesc o funcţie: dezvăluirea celor mai secrete modalităţi ale fiinţei”. (Eliade, 1994:15)

Iată dar cum simbolul nu mai este un simplu mijlocitor, ci o formă de cunoaştere prin accederea la taine. Prin ritualuri, prin utilizarea cuvintelor magice, omul deţine forţele naturii, participă la originea întemeierii lumii, participa în mod direct la Actul Creator.

Realitatea nu mai este mediată ca în concepţia cuvantului-simbol, ci este pur şi simplu accesată, simbolul având o forţă ocultă. Cuvântul este creator de realitate, prin utilizarea simbolurilor în formule magice. Experienţa este, în formă sa cea mai elementară, un edificiu peste măsură de complicat, format din imagini psihice . Prin urmare, nu mai rămâne, în mare, aproape nimic care să fie experienţă imediată în afara psihicului. Totul este transmis, tradus, filtrat, alegorizat, deformat şi chiar falsificat de către el. " (Jung,1998)

Asadar, factorul subiectiv în pictura este foarte important datorită acelor conţinuturi ale conştiinţei care provin din izvoare îndeparteate şi obscure ale trecutului nostru. Noi nu trăim în imediat decât în lumea imaginilor, spunea Jung în Psihanaliza fenomenelor religioase. Descoperirea imaginilor arhetipale a lărgit orizontul de cunoaştere dând o formă cât de cât raţională acelor factori incoştienţi, ancestrali. În opinia lui Jung sinele ca arhetip nu poate fi exprimat decât prin simboluri. El este o imagine colectivă care depăşeşte individul, timpul şi spaţiul.

Doua paradigme!
De la aceasta neintelegere a simbolului, s-a reiterat de-alungul timpului, disputa iconoclasta tinuta in sinodul VII de la Nicea (787). Care este de fapt problema sau cearta? Cei care erau pentru inlaturarea icoanelor in biserici vedeau pictura ca pe un idol, si conform Bibliei din Exodul capitolul 20 este pacat sa te inchini la chip cioplit sau la o alta infatisare a celor de sus si a celor de jos. Ceilalti care pledau pentru pastrarea icoanelor in biserica, spuneau ca pictura nu este un idol, deoarece ea, in sine, nu e decat o reprezentare, niciodata inzestrata cu autoritate divina. Inchinatorii priveau icoana ca pe un simbol ce trimite dincolo si niciodata la el insusi (in acest caz Diviniatetea era doar o reprezentare arhetipala provenita din imaginarul colectiv, neavand insa functia de mijlocitor, omul accede tainele divine prin atingerea obiectelor sfinte). 

Celalti care erau impotriva, priveau icoana ca pe un simbol ce s-a substituit obiectului. Cu alte cuvinte, icoana nu mai trimite dincolo, la o alta realitatea sensibila, ci pur si simplu, icoana e un idol, un chip cioplit avand valoare unui vitel de aur. In viziunea lor, nu poate exista mijlocitor intre "Dumnezeu si Om". Ramane insa de vazut cum se justifica cei care pledeaza pentru inchinarea la icoane atunci cand le declara "facatoare de minuni". Si de ce ar fi unele icoane facatoare de minuni si altele nu, daca icoana nu are putere in sine, fiind o imagine ce are rolul de a starni anumite reprezentari in mintea inchinatorului ?!

O scurta abordarea teologica 
Sa nu-ti faci chip cioplit..." nu poate sta ca dovada ca evreii practicau religia in mod "constient"! Aveau sanctuarul cu Sfanta Sfintelor. Lui Moise, in fata rugului aprins, Dumnezeu ii prounceste sa-si dea sandalele jos din picioare, pentru ca "e un loc Sfant", apoi la Betel lui Iacov, etc. Evreii nu erau lipsiti de hierofanii. 

De la Isus, legea mozaicala a fost inlocuita cu legea iubirii de semeni. Preotul nu mai mijloceste intre Dumnezeu si Om, perdeaua templului s-a rupt pe din doua. A fost acest eveniment simbolic inceputul unei noi Lumi lipsite de hierofanii? S-a mutat Dumnezeu in constiinta? Are dreptate Kierkergaard? Ramane de vazut ce intelegem prin "constiinta". Iata dar, avem decalogul: sa nu ucizi, sa nu marturisesti stramb, sa iti cinstesti parintii, etc. Intrebarea ramane, in ce se transforma a doua porunca: sa nu-ti faci chip cioplit, din moment ce nu mai credem in " realitatea obiectelor"?...Cand icoanele se muta in constiinta atunci devin idolatrie, pentru ca spre deosebire de atenieni, protestantii au deprins constiinta "obiectelor". Ei nu mai au acces direct si nemijlocit la realitate. Pentru ortodocsi o icoana nu poate fi numita chip cioplit, pentru ca revelatia se produce prin atingere, nu prin "constiinta".

Problema nu este nici teologica nici filozofica. Ea priveste doua lumi diferite, doua paradigme si doua idealuri diferite de a intelege si de a interpreta lumea data, caci, spre deosebire de vestici, orientalii mereu au trait organic. 

Arhetipuri in imaginarul artistic

Rene Magritte -Dor de casa-

Incoştientul colectiv cuprinde toate acele manifestări arhetipale, modele simbolice, scheme imaginative, structuri de sensibilitate, pattern-uri comportamentale ş.a.m.d.În Dialectica eului şi inconştientului Jung descrie procesul de confruntare a eului cu inconştientul său mai precis cu conţinuturile inconştientului, cu imaginile arhetipale. Dintre acestea el citează câteva, universale: Umbra, Anima/Animus, Bătrânul înţelept şi Personalitatea, Mâna. Noţiunea de arhetip - scrie Jung - derivă din observaţia repetată adeseori că miturile şi poveştile literaturii universale conţin teme bine definite care reapar pretutindeni şi întotdeauna. Întâlnim aceleaşi teme în fanteziile, visele, ideile delirante şi iluziile indivizilor care trăiesc în zilele noastre. Aceste imagini tematice sunt reprezentări ale arhetipurilor, au la bază un arhetip. Ele ne impresionează, ne influenţează şi ne fascinează. Arhetipul este vid, iar conţinutul lui nu se umple "decât din momentul în care devin conştiente, adică alimentate cu materialul experienţei conştiente… " Arhetipurile corespund instinctelor care, şi ele, nu pot fi recunoscute ca atare decât din momentul în care se manifestă în intenţie sau act.  

De exemplu, funcţiile simbolice ale imaginilor arhetipale sunt explicat de Jung prin relaţia mamă-copil, guvernată de arhetipul maternal (la copil). Tată-copil - de arhetipul paternal. Naşterea, moartea, puterea şi declinul sunt controlate de asemenea de arhetipuri. Putem vorbi de arhetipul eroului, de arhetipul înţeleptului bătrân, de arhetipul eroului întemeietor. Jung vede chiar în Simbolul Crucificării lui Isus un arhetip ancestral. Experienţele religioase şi mistice sunt şi ele guvernate de arhetipuri. Cel mai important dintre toate, Sinele , este arhetipul centrului persoanei psihice, totalitatea sau completitudinea ei.

Arhetipurile se manifestă prin imagini arhetipale în vise şi viziuni în picturi ca mandala. Pentru suprarealişti, arhetipul sta la baza revelaţie, prin vis putand fi accesate acele imagini "universale".  E ca şi cum ar cotrobăi în cufărul trecutului, printr-o stare de transă şi inspiraţie scoţând la iveală formele prăfuite ale existenţei umane…Totul este să scapi de barierele raţiunii. În literatură experimentul verbal, în pictură suprarealismul, în psihanaliză visul. Toate aceste forme de cunoaştere au fost exploatate în manifestările cele mai variate ale artei.De aceea, noi ne vom axa în interpetarea picturilor suprarealiste pe analiza viselor şi a simbolurilor pentru a descoperi acele imagini arhetipale reprezentând forme legitime de cunoaştere.

Simbolul ca forma de cunoastere in artele plastice

Salvador Dali Ispitirea Sf. Anton
Pentru a înţelege mai bine arta ca fascicol de semnificaţii, trebuie să clarificăm de la început faptul că simbolurile nu mai sunt utilizate doar cu funcţia lor de semn şi corespondent. Arta ca formă de cunoaştere priveşte simbolul mult mai larg, ca un mănunchi de semnificaţii, ci nu ca pe o simplă trimitere la obiect. Simbolul aici se refara la un concept mental care de cele mai multe ori poate fi recunoscut sau nu, dar el mereu va stârni reacţii în planul incoştient al interlocutorului. Nu mai vorbim de simboluri particulare, specifice unei anumite culturi, ci vom opera cu conceptul de Simbol Universal, ancestral, care este înscris în materialul genetic al omenirii. Vom opera cu simboluri general valabile şi universale.
„Fiind universal, simbolul are capacitatea de a ne introduce simultan atât în inima individului, cât şi în cea a grupului social." (Jean & Alain, 1994:4)

Simbolul va fi privit ca energie creatoare a stării de visare ce se vrea reflectată în planul conştient atât cât este posibil. Aşa cum spunea Ernest Cassirer urmărind progresul uman în gândire şi experienţă, omul nu mai înfrunta realitatea în mod nemijlocit, adică faţă în faţă, pentru că această realitate fizică se substrage pe parcurs ce activitatea simbolică a omului înaintează, aprofundează în cunoaştere. (Ernst Cassirer, 1994: 43) Restul cunoaşterii se va face prin atingere, prin contagiune pe cale intuitivă, sau prin contaminare într-o formă nemijlocită. De exemplu, pentru un om care şi-a pierdut simţul olfvactiv, o simplă imagine a unei flori poate să trezească în mintea lui senzaţia aromei respective. Acelaşi rol îl are şi simbolul în momentul în care îl conştientizăm, el stârneşte anumite reacţii la nivel perceptibil, senorial, tactil, mental, etc. E asemeni unui reflex necondiţionat. Conştiinţa nu ia seama de aceast lucru, dar neuronii tranmit excitaţiile la creier, iar mâna reacţionează instantaneu când se arde cu ceva cald. Abia apoi conştientizăm actul reflex în doi timpi. Cam aşa stă treba şi cu simbolurile pe care le întâlnim în creaţiile artistice. Când revenim asupra lor, le conştientizăm, dar natura lor este una incoştientă, arhetipală. Când nu mai putem cunoaşte senzorial natura lucrurilor, atunci simbolurile vin să umple această lipsă.

Chiar dacă se poate cădea în superstiţiile simţului comun, această cunoaştere nu trebuie privită ad literam. Ea trebuie analizată în spiritul în care a fost creată. Ca act fondator, arta ca fascicol de semnificaţii se apropie mai mult de valoare mitului, ca întemeietor al originilor şi are un efect psihologic integrator. Cunoaşterea aici nu priveşte un domeniu practic, exceptând valoarea ei terapeutică, ci un domeniu universal, spiritual.
Simbolurile fundamentale unifică axele existenţei umane, condensează întreaga experienţă a omului (religioasă, cosmică, socială, psihică); Astfel, simbolul va fi privit ca o punte intre raţional şi iraţional unificând axele existenţei umane. Simbolul concentraza întreaga experienţă a omului (religioasă, cosmică, socială, psihică) într-o singură formă.

De aceea, în funcţie de trăirile fiecăruia, în funcţie de epoca, de religie, etc. simbolul va emana noi semnificaţii, acestea fiind imposibil de epuizat printr-o enumerare exhaustivă. "Numai cine a ajuns să înţeleagă în profunzime simbolurile folosite de o persoană, sau de un popor, cunoaşte cu adevărat persoană sau poporul respectiv”. Niciodată nu vom ajunge să descifrăm în totalitate semnificaţiile simbolurilor, de aceea va exista mereu un log gol al interpretarii. După cum am aminit, funcţia terapeutică a simbolurilor priveşte "unitatea fundamentală a celor trei planuri ale existenţei (inferior, terestru, celest); realizează unitatea omului cu lumea, plasându-l pe acesta într-o imensă reţea de relaţii şi excluzând sentimentul de singurătate a omului în univers5." (apud Imagologie istorică 58 jean Chevalier, Alain Geerbrant, Dicţionar de simboluri, vol. I, Bucureşti, Editura Artemis, 1994, p. 43)

Fără simboluri viaţa omului ar părea o continuă deruta şi rătăcire prin oceanul obiectelor. Simbolul centrului evidenţiat atât de bine de Mircea Eliade, este punctul arihmedic ce pune ordine în Univers. Simbolismul centrului tranforma energia incoştientă în energie necesară omului pentru a-şi struni viaţa socială şi activitatea psihică. Energia incoştientă se transformă într-o energie care poate fi integrată în comportamentul conştient datorită simbolurilor, provenite fie din vis, fie din oricare altă manifestare a incostientului.
În studiul de caz vom evidenţia pe fiecare pictură în parte acele simbolurile ca act de punere în relaţie a mijlocului cu obiectul. a semnificantului cu semnificatul, expresiei cu semnficiaţia, dar şi ca energie creatoare a stării de visare ce vom încerca să o reflectăm, pe cât posibil, în planul coştient.
Dar înainte de aceasta, o să facem o scurtă clasificare a simbolurilor:

„Mircea Eliade distinge între simbolurile uraniene (fiinţe cereşti, zei ai furtunii, culte solare, mistică lunară, epifanii acvatice etc.) şi simbolurile chtoniene (pietre, pământ, femeie, fecunditate etc.), la care se adaugă simbolurile spaţiu şi timp, precum şi dinamica veşnicei întoarceri.”

„Sigmund Freud stabileşte drept criteriu pentru clasificarea simbolurilor un termen din psihanaliză: plăcerea. Constituind axa în jurul căreia se articulează simbolurile, plăcerea le focalizează pe acestea la nivel oral, anal sau sexual, sub presiunea unui libido cenzurat şi refulat.” 
(Ion& Bogan, 2008:55)

„G. Durand clasifica astfel simbolurile: 
teriomorfe (bestiarul, arhetipul căpcăunului); 
simbolurile nictomorfe (tenebre, simbolul apei triste, femeia fatală, păianjenul şi plasa); 
simbolurile catamorfe (frica, căderea, eufemismul cărnii, pântecele digestiv şi pântecele sexual);
simbolurile ascensionale (sceptrul, spadă, scara permanentă, muntele sacru, aripa şi angelismul, îngerul, pasărea, arcaşul, săgeata, arcul, suveranul, războinicul, legiuitorul); 
simbolurile spectaculare (lumină şi soare, albul, auriul şi azurul, coroana, ochiul şi verbul); 
simbolurile diairetice (armele războinicului, botezuri şi purificări, ca „arme” spirituale şi rituale, focul purificator). 

Regimul nocturn cuprinde, prin absorbţie în interiorul lui, următoarele simboluri: 
imbolurile inversării (simbolurile eufemismului, încetineala viscerală, pântecele sexual, pântecele digestiv, încastrarea, dedublarea, noaptea, culoarea nopţii, muzica nopţii, Marea Mamă Acvatică, Marea Mamă Telurică); 
simbolurile intimităţii (mormântul şi odihnă, locuinţa şi cupă, alimente şi substanţe: migdala, laptele, mierea,vinul cosmic, aurul alimentar); 
simbolurile ciclice (ciclul lunar, calendarul, triada sacră, androginul, satana, ciclul vegetal, iniţierea, mutilarea iniţiatică, jertfă, orgia, Haosul, Potopul, melcul, crisalida, scarabeul, broasca, şarpele falic, tehnologia ciclului, roata, jugul şi carul).”  (Ion& Bogan, 2008:55)

De asemenea, viata noastra de zi cu zi abunda de simboluri. In crestinism de exemplu simbolul porumbelului ce reprezinta Duhul Sfant. In publicitate, simbolul "buna-starii", in mass media, peste tot lumea noastra este semnificata. Pentru ca nu traim in lumea "obiectelor" asa cum se crede, ci intr-o lume a "simbolurilor".  Pentru a face insa distinctia intre simboluri si semne, intre imagine si conceptul mental, vezi mai jos postul caracterul iconic al artei. Trebui insa sa faceti diferenta intre simbol ca forma de comunicare si simbolul ca forma de cunoastere. Aici, in pictura, ca si in credintele populare, simbolul are o functie de cunoastere si revelare. Asadar, va las pe voi sa distingeti simbolurile din tabloul Ispitirea Sfantului Anton, si sa-mi spuneti ce simtiti, cum credeti ca ar trebui interpretate. Ca sa aveti cheia interpretarii puteti pleca chiar de la numele taboului. Puteti trece de-asemenea printr-o analiza psihologica. Legati-va de termenul "ispita" si ganditi-va la ceea ce spune Freud despre "reprimarea instinctelor".  Nu uitati de vis si de cruce!

 

Imaginea artistica si Imaginarul


Imaginea artistică ţine de formele de comunicare pe care le evidenţiem într-o pictură, să zicem, tine de metode şi tehnici de compoziţie, de limbajul artistic, de caracterul său iconic, de semne şi simboluri, etc. Pe când imaginarul artistic tine de arhetipuri, de imagologie, de imaginaţia colectivă, de anumite mentalităţi şi credinţe, şi explică mai mult latura incoştientă, ţine de forma de cunoaştere şi o vom analiza mai pe larg în capitolul arta ca formă de cunoaştere.

Revenind la imaginea artistică, ea uneşte partea materială cu cea expresivă, dând o latură personală compoziţiei prin alegerea formelor, a culorilor, a metodelor şi a tehnicilor. Imaginea este meşteşugul fiecărui creator şi se diferenţiază de celelalte opere nu atât prin mesaj, cât prin stil şi particularităţi. Stilul este foarte important, pentru că el este singurul mod de a comunica eficient o idee. Nu orice idee poate fi tradusă în alt limbaj, mai ales când e vorba de artele plastice. În matematică noi cunoaştem adunările comutative. Ei bine, în materie de limbă nu e acelaşi lucru dacă pun predicatul în faţa subiectului sau subiectul în faţa predicatului. Există o schemă logică a gramaticii, pentru că altfel nu ne-am înţelege, însă libertatea stilului este nelimitată când vine vorba de limbajul artistic. De aceea, putem analiza acele linii, tuse, culori, simboluri, care sunt atât amprenta autorului cât şi un mod eficace de comunicare. Pentru că o operă comunica ceva şi în acelaşi timp se comunica pe sine. În imaginea unei pânze putem ghici atât autorul cât şi ce a vrut el să ne comunice. Imaginea artistică este atât partea materială, fizică, a unei opere artistice, dar şi partea estetică, simbolică, expresiva şi originală care stârneşte anumite trăiri.
Însă se pune problema dacă receptorul este pregătit din punct de vedre cultural, spiritual, sensibil sau imagologic să primească zestra pe care artistul a investit-o în pânză. Deci, imaginea nu poate fi separată de imaginar. Numai că noi aici analizăm metodic. Imaginea se formează întotdeauna pe pânza, dar imaginarul trece dincolo şi se afla în mentalul colectiv, sau în mintea celui care vizionează acel tablou. Aşadar, de la imagine la imaginar are loc un act de decodificare a mesajului. Acesta e posibil numai datorită faptului că se apelează la aceleaşi simboluri, la acelaşi mental colectiv, uneori inconştient şi greu sesizabil de simplul spectator.

Imaginea vorbeşte de la sine numai când se suprapune perfect peste imaginar. Uneori nici măcar artistul nu e conştient de toată zestrea imaginară pe care o deţine, de aceea mereu va fi surprins să descopere forme noi. În alţi termeni, pentru a crea o imagine artistică, ai nevoie de imaginaţie. Iar această imaginaţie nu vine de undeva din neant, ea se compune şi se cristalizează în timp şi e trecută prin ochiul subiectiv al artistului. Deasemenea, formarea unei imagini, şi aici mă refer la artele plastice, nu este posibilă fără o însuşire a tehnicilor şi mteodelor artistice. Toţi marii artişti au trebuit să treacă mai întâi prin metodele didactice, ca mai apoi să se rupă de ele şi să creeze noi forme de expresie. Aşa cum o vede Grigore Gerogiu, imaginea artistică reprezintă o complexitate de semne ce unesc organic atât expresia cât şi semnificaţia. Este un semn capabil sp trezească anumite trăiri în subiectul receptor, prin forma expresivă a conţinutului, prin stilul original al operei. (Georgiu, 2008:215)

Pentru a intelege mai bine diferenta dintre imagine si imaginar am ales un tablou renascentist al lui Sanro Botticelli intitulat Marte si Venus. Sa presupunem ca cei mai multi nu stiu cunosc mitologia romana si greaca, si cu atat mai putin semnificatia numelor Marte, respectiv Venus. Cu toate acestea, ar intelege clar la o privire mai atenta ca e vorba de o poveste de dragoste. Asadar, nu este nevoie sa se apeleze la mitologie pentru a intelege cat de cat semnificatia si tema acestui tablou. Insa, pentru Botticelli, Marte este zeul razboiului iar Venus este zeita frumusetii si a fertilitatii conform mitologiei Romane. In mitologia greaca Ares este zeul razboiului, iar Aforidita zeita fertilitatii si a dragostei. Apeland astfel la mitologie, noi facem de fapt trimitere la "imaginar". Tabloul isi mareste semnificatia prin acest simbol care uneste Puterea cu Dragostea, femeia cu barbatul, minusul cu plusul mai tarziu in arta zodiacala. 

Mai vedem in tablou acei fauni, sau cum ii numim noi in limbajul comun "cupidoni". E adevarat, mitul lui Cupidon l-am uitat, cat si insemnatatea "faunilor". Dar imaginarul a ramas si continua sa ne starneasca imaginatia. De mici copii desenam inimi prin care trec sageti, considerandu-ne victime ale dragostei. Marte care o cucereste pe Venus este o legenda inca vie de care nu suntem constienti. Le-am uitat atat semnificatia sacra cat si insemnatatea, dar ele continua sa ne influenteze incostientul. Iata dar, tocmai aici este genialitatea artistului care apeleaza la fondul nostru intim pentru a starni anumite trairi. Asadar, arta este comunicabila atat la nivelul perceptiei vizuale, prin imagine, cat si la nivelul simturilor prin imaginarul colectiv. Astfel explicam de ce sunt mai multe "grade" de percepere, insa acestea nu pot fi niciodata grade comparative. A simti si a intelege, intr-un final, e acelasi lucru.